Искусство вокала: о русских традициях, преемственности и новых тенденциях в педагогике Культурного центра

Мир вокального искусства уникален своей глубинной связью с культурными и языковыми традициями разных национальных школ. Русская ветвь была и остаётся одной из самых передовых, экстраординарных по своему богатству техник и уровню исполнительского мастерства.

… Первая треть XXI века преподнесла человечеству множество сюрпризов: эпоха технологического прогресса, новых политических реалий, смены парадигмы в международных отношениях. Искусство же осталось одной из областей, в которой продолжается своя обособленная, мирная жизнь и формируется стабильное будущее для поколений. И именно русская вокальная школа - одна из немногих, которая есть и остаётся почитаемой во всём мире, не взирая на изменчивость мировых процессов современности.

Руководитель Культурного Центра - Наталья Саушкина - одна из представительниц русской академической вокальной школы, певица, хоровой дирижер и музыкальный педагог, которая в своей творческой работе сочетает такие методики преподавания как: Санкт-Петербургская школа хорового дирижирования, вокальная школа Казанской, Московской и Саратовской государственных консерваторий, а также имеет творческий опыт работы с известными дирижерами и маэстро Санкт-Петербургской филармонии и Саратовского академического театра.

Объединяя и синтезируя традиции ведущих русских академических вокальных школ, Наталья в настоящее время с любовью и благодарностью развивает их в своей педагогической практике, в рамках Культурного центра. Мастер-классы проводятся в двух столицах страны (г. Москва, Санкт-Петербург). Основываясь на классической базе музыкального образования, в Центре разрабатываются и преподаются также и новые, усовершенствованные методики обучения для взрослых, исходя из актуальности запросов широкого круга публики.

Как научиться профессионально петь, не имея начального музыкального образования?

Постановка голоса - наиболее важный этап, на основе которого будут выстроены дальнейшее обучение и практика начинающего исполнителя.
В Культурном центре для Вас будут открыты возможности в профессиональной подготовке голосового аппарата!

Первые шаги в вокальном творчестве: на русском и итальянском языках!

Не для кого не секрет, что язык академического пения - итальянский. В рамках мастер-классов с Натальей Вы сможете практиковать свою вокальную технику не только на русском, но и на итальянском языке!

Палитра вокальных стилей и жанров:

В процессе постановки голоса и дыхания Вам также будет предложен ряд сценических амплуа: от классического "оперного" пения до современных, джазовых и эстрадных манер исполнения. Выбор остаётся за Вами!

Вокальное искусство - это вербальное искусство самовыражения, в котором в центре внимания находится наш "природный" инструмент - человеческий голос. Возможности голоса человека ограничены, пожалуй, только уровнем мастерства самого исполнителя. Вы будете приятно удивлены, вдохновлены и счастливы испытать и развить эти способности.

Приятным бонусом будут бесплатный пробный мастер-класс у Натальи Владимировны, а также дополнительная поддержка музыкальных педагогов смежных дисциплин (теория музыки, сольфеджио) в Ваших шагах на пути к миру вокального мастерства. Ждём Вас!

???? Запись на мастер-классы ведется на сайте либо по телефону:
+7 984 4506758

Наши новости в Telegram: https://t.me/Cultural_Centerspbmsk

М. И. Глинка — основоположник жанра русской классической оперы

Михаил Иванович Глинка (1804-1857) считается одним из первых русских композиторов-классиков мирового масштаба. В своей оперной музыке он объединил традиции русской народной песни с опытом и достижениями западной европейской оперы. Большое внимание композитор придавал и технике вокального исполнения. Начав писать музыку в жанре песен и романсов, за годы творчества им были созданы ряд учебных пособий для вокалистов. Вокальный стиль мелодики Глинки, отраженный в его педагогической практике, вошел в мировую историю музыки как манифест русской классической вокальной школы.

Каков же был творческий путь Глинки и что повлияло на формирование личности композитора?

М.И. Глинка родился в Смоленской губернии, в семье богатого помещика. В раннем детстве у него обнаружился прекрасный слух и тяга к музыке (особенно к русским песням).
«Эти песни, слышанные мной в ребячестве, стали первою причиною того, что впоследствии я стал преимущественно разрабатывать народную русскую музыку» — писал Глинка.
Важную роль в формировании мировоззрения Глинки сыграла русская классическая литература: он был лично знаком с А. Пушкиным, В. Жуковским, А. Грибоедовым, В. Одоевским). Немало ярких впечатлений дали Глинке путешествия по европейским странам: пребывание в Италии, Австрии, Германии (1830-34). В Италии Глинка познакомился с неподражаемой техникой итальянского «прекрасного пения» — техникой bel cantо, а также с рядом знаменитых композиторов — В. Беллини, Г. Доницетти, Ф. Мендельсоном.

Именно находясь за рубежом и обучаясь музыке у иностранных музыкантов, Глинка все сильнее ощущал тягу к созданию произведений глубоко национальных, в которых можно было бы раскрыть специфику русского мелоса, красоту языка, показать народные традиции, прочувствовать красоту и благородство русской души…

В своих мемуарах, которые называются «Записки», Глинка вспоминает : «Мысль о национальной музыке... более и более прояснялась [в годы нахождения вдали от Родины — прим. автора], возникло намерение создать русскую оперу». Этот замысел осуществился по возвращении в Петербург: в 1836 г. была завершена его первая опера «Иван Сусанин».

Премьера оперы стала событием грандиозного масштаба. «С оперой Глинки является... новая стихия в Искусстве, и начинается в его истории новый период — период Русской музыки», — писал Одоевский. Высоко оценили оперу как русские, так позже и зарубежные писатели и критики.

После премьеры «Ивана Сусанина» Глинка приступил к работе над следующей оперой «Руслан и Людмила», для которой был выбран сюжет поэмы А. С. Пушкина. Это произведение оказалось удивительно созвучным личности самого Глинки, на редкость разноплановой и многогранной. Параллельно с сочинением своей второй оперы композитор много времени посвящал своей педагогической деятельности в качестве певца и вокального педагога. Так, Глинкой были созданы ряд методических пособий по вокалу: «Этюды для голоса», «Упражнения для усовершенствования голоса», «Школа пения».
Вторую оперу Глинки высоко оценил венгерский композитор и пианист Ференц Лист, который в то время вторично приезжал в Россию.


Вскоре М. И. Глинка уехал в новое долгосрочное европейское турне: несколько последующих лет он провел за границей в Париже (1844-45) и в Испании (1845-47). Во французской столице с большим успехом прошел его концерт, по поводу которого музыкант написал: «...Я первый русский композитор, который познакомил парижскую публику со своим именем и своими произведениями, написанными в России и для России». И это значило очень многое для истории развития национального русского музыкального искусства того времени.
Испанские впечатления вдохновили Глинку на создание двух симфонических пьес: «Арагонская хота» и «Воспоминание о летней ночи в Мадриде». Одновременно с ними в 1848 г. появилась знаменитая «Камаринская» — фантазия на темы двух русских песен. Эти произведения вошли в историю как -знаменитые образцы русской симфонической классики. Во второй половине XIX века вышла целая плеяда крупных оперных композиторов — последователей Глинки, которые принесли русской опере всемирную славу.

О вокальной технике «прекрасного пения» (bel canto) в оперном творчестве Глинки

Н.А. Попова, доцент кафедры сольного пения в Академии хорового искусства им. В.С.Попова, в своей статье, посвященной вокальному стилю М. И. Глинки отмечает такие важные факты:

— в мелодиях Глинки обнаруживается стилевой синтез итальянского пения с русскими песенными интонациями; это явление можно определить как стиль «русского бельканто»
— вокальные мелодии Глинки отличаются певучим, прихотливым характером; в них присутствует много украшений (мелизмов), связанных также с вокальной импровизацией
— отдельные черты эстетики вокального стиля Глинки можно проследить в творчестве русских композиторов XIX-XX века.


Литература, рекомендованная к прочтению:

1. Глинка М. И. Записки. М.: Музыка, 1988
2. Покровский Б. А. Беседы об опере. М.: Просвещение, 1981. Стр. 80-91
3. Фрид Р. М. И. Глинка. Монографический очерк. Л., «Советский композитор», 1973. 80 с.

О музыкантах и музыкальных специальностях

Профессия музыканта, с одной стороны считается узкоспециализированной, а с другой — вмещает в себя широкий круг видов профессиональной деятельности и различных специализаций. Музыкальный мир одновременно тесен (многие современные композиторы и исполнители хорошо знают друг друга, участвуют в совместных творческих проектах, концертах) и необычайно широк: среди специалистов в области музыки мы встречаем композиторов, дирижеров оркестров и хоров, вокалистов, инструменталистов (пианистов, струнников, духовиков, исполнителей на ударных инструментах), а еще музыковедов, звукорежиссеров, музыкальных журналистов и критиков… И это далеко не полный перечень музыкальных специальностей.

В России, начиная с первой половины XX века, профессиональное музыкальное образование стало трехступенчатым: чтобы получить профессию музыканта и педагога музыки необходимо окончить 7 классов музыкальной школы, затем музыкальный колледж (училище) и, конечно же, получить вузовское образование (окончить бакалавриат или специалитет в Консерватории или Академии музыки). На общий пересчет этот путь занимает 15-16 учебных лет.

Наиболее сложными на наш взгляд являются специальности композитора и симфонического дирижера. Композитор — это не только профессия, но и образ жизни, творческой мысли, погруженной в мир философии, постоянных поисков, выраженных в звуках и музыкальных композициях. Чтобы стать композитором, начинающий музыкант проходит сперва обучение как исполнитель, и только на второй-третьей ступенях своего образования погружается в процесс создания музыкальных форм. У каждого состоявшегося композитора вырабатывается свой индивидуальный стиль, а также приверженность к тем или иным жанрам в музыке. Так, например, Фридерик Шопен (1810-1849) и Сергей Рахманинов (1873-1943) были мирового класса композиторами-пианистами: Шопен писал преимущественно музыку для фортепиано, за что его называли «поэтом фортепиано» (согласно эстетике романтической эпохи). Рахманинов с детства обучался игре на фортепиано у лучших педагогов, много работал над техникой исполнения, пианистической виртуозностью. В поздний период творчества, проживая в эмиграции в США, он почти не писал музыку, объясняя свое «затишье» отрывом от русской земли; композитор имел заказы и постоянный заработок именно в качестве пианиста, давал большие сольные концерты по многим штатам. На цифровых носителях сохранились несколько аудио и видео записей исполнения Сергея Рахманинова своих произведений. Приведем одно из них:

Прелюдия для фортепиано cis moll op.3 N.2
Rachmaninoff - Prelude cis-moll Op.3 №2. Исполняет автор (1928г.). - YouTube

Профессия дирижера симфонического оркестра является уникальной. Это музыкант, который берет в свои руки управление мощным инструментальным составом в количестве до сотни исполнителей. Дирижер должен не только знать и уметь прочитать партии каждого из инструментов оркестра, но и досконально знать всю музыкальную ткань объемных оркестровых сочинений — симфоний, концертов, фантазий, при исполнении которых он становится соавтором для их создателя. От дирижерского мастерства зависит то, как будет исполнено сочинение, и интерпретации могут быть очень разными…

Одним из лучших дирижеров XX-XXI века по праву считается Геннадий Рождественский (1931-2018). Геннадий Николаевич был не только дирижером симфонического оркестра, но и прекрасным пианистом, педагогом и общественным деятелем культуры: лауреатом Ленинской премии (1970), Государственной премии РФ (1995), а также Полным кавалером ордена «За заслуги перед Отечеством». Более полувека руководил советскими, российскими и зарубежными музыкальными коллективами, среди которых: Симфонический оркестр Большого театра, Королевский Стокгольмский филармонический оркестр, Венский симфонический оркестр, Симфонический оркестр Министерства культуры СССР, Симфонический оркестр Санкт-Петербургской филармонии. Кроме того, Рождественский вошел в историю как автор шести книг о музыке и дирижерской практике (последняя из которых была опубликована посмертно, в 2023 году в Москве).

Предлагаем к прослушиванию Увертюру из оперы П.И. Чайковского «Руслан и Людмила» - исполняет симфонический оркестр Би-би-си под управлением Г. Рождественского:
Gennadi Rozhdetsvensly - Ruslan and Lyudmila Overture - YouTube

Среди русских мастеров вокального искусства невозможно не вспомнить Федора Шаляпина (1873-1938) — выдающегося оперного певца, высокого баса, который оказал большое влияние на развитие русской вокальной школы XX века.
Шаляпин был солистом Большого и Мариинского театров, а также театра Метрополитен Опера; в 1918—1921 годах работал также в качестве художественного руководителя Мариинского театра. Будучи творческой личностью огромного масштаба, Шаляпин увлекался также живописью и скульптурой, снимался в кино (в 1915 году состоялся его дебют: он исполнил роль Ивана Грозного в исторической кинодраме «Царь Иван Васильевич Грозный» ), а также написал автобиографическую книгу «Маска и душа». Широкую известность Шаляпину принес его потрясающий, пленящий голос и высочайшее исполнительское мастерство.

Одной из вершин его вокального творчества считается роль Мефистофеля в опере Ш. Гуно «Фауст», исполненная в опере мецената С. Мамонтова:
Ф. ШАЛЯПИН. КУПЛЕТЫ МЕФИСТОФЕЛЯ ИЗ ОПЕРЫ Ш.ГУНО "ФАУСТ" (youtube.com)

Из русских мировых исполнителей-инструменталистов XX века можно было бы создать галерею музыкальных портретов, выразительных и контрастных между собой… Остановимся сейчас на фортепианной школе. Одними из лучших советских пианистов можно назвать Святослава Рихтера (1915-1997), Эмиля Гилельса (1916-1985), Владимира Горовица (1903-1989), Марию Юдину (1899-1970), каждый из которых непревзойденно исполнял свой круг композиторов и произведений, имел неповторимое звучание инструмента, эмоциональный отклик на музыку…
Святослав Рихтер был одним из крупнейших пианистов универсалов: в его исполнении звучали произведения от И.С. Баха, Л.ван Бетховена до С. Прокофьева, Д. Шостаковича, а также представителей западного авангарда. Мария Юдина прекрасно играла старинную барочную музыку И.С. Баха (клавирный цикл ХТК в 2 томах, Гольдберг-вариации и др.), а также некоторые сочинения П. Хиндемита, А. Берга, О. Мессиана. Э. Гилельс — один из лучших исполнителей произведений Л.ван Бетховена: он сыграл все 32 сонаты для фортепиано, 5 фортепианных концертов и другие сочинения композитора. В. Горовиц очень тонко чувствовал стиль классико-романтической эпохи: его наиболее репертуарными сочинениями были сонаты и концерты В.А. Моцарта, Л.ван Бетховена, а также музыка С. Рахманинова. С последним пианист общался лично, находясь в эмиграции в США. Рахманинова потрясла его игра; композитор знал, что Горовиц собирается играть и его Третий концерт, и предложил вместе порепетировать. Они репетировали в подвале фирмы «Steinway»: Рахманинов играл оркестровую партию, Горовиц умирал от восторга. «То был самый незабываемый момент в моей жизни, — вспоминал он, — мой подлинный дебют!»
Рахманинов, поначалу скептически отнесшийся к интерпретациям Горовица, вскоре понял, что так его произведения не сможет сыграть даже он сам. «Рахманинов отдал этот концерт мне,— рассказывал впоследствии пианист. — Он всегда говорил: Горовиц играет его лучше, чем я. По его выражению, он сочинил концерт для слонов, так что, наверное, я и есть один из них!»:
Horowitz-Coates: Rachmaninoff, Concerto No. 3 (1930) - YouTube

ПРИЗРАК ОПЕРЫ (2004): о музыкальном фильме Дж. Шумахера

В истории кинематографа особое место занимают фильмы, в которых мир музыки, личности музыкантов, отдельные музыкальные образы становятся главной темой или сюжетной линией киноленты. Одним из таких фильмов является «Призрак оперы», который был создан на основе одноименного мюзикла композитора Эндрю Ллойда Уэббера и книги Гастона Леруа.
Роман французского писателя Гастона Леруа считается мировым бестселлером: его множество раз экранизировали, ему посвящали бессчетные рок-композиции, баллады и альбомы. Мюзикл английского композитора Уэббера «Призрак оперы» был поставлен в 30 странах мира, его посмотрело более 150 миллионов человек. С международными сборами в 6 миллиардов долларов мюзикл стал самым кассовым развлекательным событием всех времён.

Американский фильм «Призрак оперы», вышедший на экраны уже в XXI cтолетии, был снят режиссером Джоэлом Шумахером. Главные роли исполнили Джерард Батлер (Призрак), Эмми Россум (Кристина) и Патрик Уилсон (Рауль). Интересно, что все трое актеров ранее занимались пением, брали уроки вокала, так что к съемкам фильма в жанре мюзикла были подготовлены.
В основу сюжета фильма легла история о молодой оперной певице Кристине, которая становится наваждением для Призрака - обезображенного обитателя и негласного хозяина парижской «Оперы Популе́р». Музыка в фильме играет главенствующую роль: мелодии, сочиненные Призраком, очаровывают Кристину. Но вскоре за ней начинает ухаживать ее друг детства Рауль де Шаньи. Тем не менее, Призрак готов на все, чтобы завоевать красавицу…
Центральным музыкально-сценическим образом становится амплуа «Дон Жуана» — героя любовника, главного персонажа одноименной оперы В. А. Моцарта (здесь возникает своеобразная аллюзия на оперную классику): в середине фильма, в разгар праздника, появившийся Призрак в костюме Красной Смерти объявляет, что написал новую оперу — «Торжествующий Дон Жуан», — и театр обязан поставить её. На главную женскую роль он назначает Кристину.
Постановка «Торжествующий Дон Жуан» проходит при полном аншлаге. По сценарию, Дон Жуан должен явиться к возлюбленной в маске и соблазнить её. Никто, кроме Кристины, не узнает в Дон Жуане Призрака, когда он блестяще исполняет партию. Когда Призрак в конце песни заключает Кристину в объятья, та срывает с него маску, обнажив его страшное, изуродованное лицо.
… Развязка фильма имеет определенную недосказанность, и заставляет задуматься: что здесь было реально, а что явилось отражением сценического мира, преломленного в воображении исполнителей и зрителя?

В основе «музыкального сюжета» лежат вокальные композиции английского композитора, автора одноименного мюзикла Эндрю Ллойда Уэббера (род. 1948). Среди его других знаменитых работ: известные мюзиклы «Иисус Христос — суперзвезда» (1970), «Кошки» (1981), «Бульвар Сансет» (1993), «Школа рока» (2015), «Золушка» (2021).
Для «Призрака оперы» Ллойд Уэббер создал оригинальную партитуру, временами переходящую в оперный стиль, но в которой была сохранена форма и структура мюзикла. Полноценные оперные отрывки принадлежат, главным образом, второстепенным персонажам. Они также используются, чтобы придать содержание вымышленным «операм», которые присутствуют в шоу, таким как «Hannibal», «Il Muto» и шедевру Призрака — «Don Juan Triumphant». Такие вставки часто используются как музыкальные фрагменты внутри основного действия для того, чтобы обозначить формат — «шоу в шоу» (или «опера в опере»).

В 2004 году, после выхода фильма Шумахера «Призрак оперы» в продажу поступил официальный музыкальный альбом из 14 треков, а также полная 2-дисковая версия с 25 композициями. Музыка к фильму была также переведена на французский, итальянский, испанский и немецкий языки. Упрощённая версия альбома также вышла и в России. Кроме того, существует отдельный хит: композиция «No One Would Listen» в исполнении Джерарда Батлера (песня исполняется на мотив композиции «Learn To Be Lonely»).

Рекомендуем к просмотру!
Фильм «Призрак оперы», полная версия на русском языке :

https://my.mail.ru/mail/cfvfynfvfulfkbyf/video/347/2997.html